Вся современная культура насквозь пропитана цифрой: скорострельные драм-роллы в хип-хопе, набивший оскомину EDM в рекламе, вездесущий автотюн или, к примеру, дефолтный рингтон нового смартфона — создается впечатление, что от стерильной музыки, сделанной на компьютере, никуда не спрятаться. И все это изобилие звучит примерно одинаково и бездушно — такова цена демократизации продакшна, легкого доступа к виртуальным студиям, аудиоредакторам и одинаковым видеоурокам.

Тем не менее, вау-фактор цифровой музыки, ее формат постоянно претерпевают изменения, и сегодняшнее поколение музыкантов и продюсеров осознанно борется с эстетикой цифровой музыки предыдущих поколений. Многие пытаются уйти от неестественного лоска и перепродюсированности, сделать звучание чуть менее идеальным и чуть более человечным. В разных уголках планеты никак не связанные друг с другом люди с разными вкусами приходят тем не менее к пониманию саунда, который отчетливо контрастирует с пластиковой продукцией верхушек чартов. Разумеется, такого звука можно добиться только путем проб, ошибок и анализа результатов, но надеемся, в этом вам помогут наши советы. Хотя бы парочку здесь для себя должен найти каждый

1. При программировании ритма стоит думать как барабанщик

Хотя электронный битмейкинг и экспериментирование словно созданы друг для друга, благодаря мышлению барабанщика можно добиться более естественной и органично звучащей ритм-секции.

Открытые и закрытые хай-хэты не должны звучать одновременно, акценты лучше подчеркивать с помощью параметра velocity, а при панорамировании звуков полезно вспомнить, как располагаются барабаны в установке.

2. Ювелирное velocity для естественной артикуляции

Все знают, что этот параметр отвечает за громкость отдельных нот, но с его помощью можно работать и с более тонкими нюансами.

При назначении velocity на низкочастотный фильтр можно добиться правдоподобного эффекта естественной динамики живых инструментов: более тихие ноты не просто убавят в громкости, но и станут менее энергичными в плане частот.

3. Динамика превыше всего

Использование в миксе одновременно и компрессированных, и необработанных сигналов (так называемая параллельная компрессия) значительно оживляет звуковой ландшафт. Статичные элементы с длинным угасанием или эхом начинают дышать и появляется естественная динамика.

4. Детали и еще раз детали

Все мы любим резкие изменения и скачки параметров, но и изысканные вариации обладают не меньшей силой воздействия. Для того, чтобы расширить звуковое восприятие в ключевых моментах стоит попробовать автоматизировать низкочастотный фильтр буквально на пару герц для фонового аккорда во время хука, прибавить громкость на полдецибела с началом припева или совсем немного поднять высокую середину в пиковом моменте.

5. Специальные инструменты для обработки и синтеза

Сегодня многие плагины и виртуальные инструменты специально заточены под эмуляцию аналога и «очеловечивание», либо, как минимум, обладают такими функциями: это и синтезаторы с элементами случайности или погрешности, семплеры, умеющие «состаривать» звук и даже ленточные симуляторы с эффектом «плавающего» звука.

Примеров таких инструментов крайне много, но об одном довольно навороченном мы уже рассказывали.

6. Стремление к натуральности?

Чрезмерно яркие, режущие слух высокие частоты без обработки сразу же выдают свое цифровое происхождение, что лишает их жизни и привлекательности. Любые синтезаторы, тарелки и высокочастотные элементы при обработке через ленточный симулятор и/или при правильной эквализации и многополосной компрессии сделают звучание более органичным.

7. Избегайте прямолинейной автоматизации

При всей привлекательности подхода «на скорую руку», стандартная автоматизация в виртуальных студиях — не всегда лучший выход из ситуации. Логарифмические огибающие звучат более плавно и естественно — в некоторых виртуальных студиях это предусмотрено сразу, но если функция отсутствует, всегда можно прорисовать огибающую несколькими прямыми линиями вручную. Кроме того, можно просто нажать на запись и прописать автоматизацию вручную с помощью контроллера или мыши, чтобы передать натуральные нюансы динамики.

8. Аккуратнее с квантизацией

При работе с MIDI-контроллером или драм-пэдами полезно выработать привычку набивать ритмические рисунки и наигрывать риффы даже в том случае, если это эпизодическая перкуссия или миниатюрный синтезаторный слой. С первого раза попасть в метроном непросто, но с практикой появится уверенность.

Если же квантизации не избежать, то не стоит полностью ломать оригинальную запись, а лучше применить коррекцию пофрагментно. Особенно от такой живой записи выигрывают хай-хэты. Бочку и малый барабан можно спокойно программировать.

9. Трюк с бас-барабаном

Семплированная прямая бочка звучит одинаково каждый такт, в то время как аналогово звучащие барабаны в куче каноничных записей выгодно выделяются элементом непредсказуемости. Оживить семплированную бас-бочку можно добавлением едва различимого синтезированного клика или шума, которые затем модулируются и варьируются во время прогрессии. На финише этот дополнительный слой компрессируется с исходным семплом бас-бочки.

10. Старое доброе вибрато

«Вибрато как вибрато, ну и что?», — скажете вы, и будете неправы, ведь при верном применении эта вещь может быть предельно выразительной. Стоит обратить внимание на высококлассных живых музыкантов и вокалистов, как они работают с этой техникой. Насколько сильно и с какой скоростью идет отклонение от основной ноты, как долго они «зависают» и с какой модуляцией (вверх, вниз или вокруг ноты).

Техника вибрато отдельных исполнителей сугубо индивидуальна, так же и вы можете привнести в свои проекты новый уровень экспрессии. Вместо использования запрограммированного вибрато через колесо модуляции, можно добиться прямого контроля над высотой звука, назначив полностью ручное вибрато на любой удобный элемент управления вашего контроллера с помощью команды MIDI CC.