Продакшн с душой: 10 советов, как вдохнуть жизнь в ваши треки

Вся современная культура насквозь пропитана цифрой: скорострельные драм-роллы в хип-хопе, набивший оскомину EDM в рекламе, вездесущий автотюн или, к примеру, дефолтный рингтон нового смартфона — создается впечатление, что от стерильной музыки, сделанной на компьютере, никуда не спрятаться. И все это изобилие звучит примерно одинаково и бездушно — такова цена демократизации продакшна, легкого доступа к виртуальным студиям, аудиоредакторам и одинаковым видеоурокам.

Тем не менее, вау-фактор цифровой музыки, ее формат постоянно претерпевают изменения, и сегодняшнее поколение музыкантов и продюсеров осознанно борется с эстетикой цифровой музыки предыдущих поколений. Многие пытаются уйти от неестественного лоска и перепродюсированности, сделать звучание чуть менее идеальным и чуть более человечным. В разных уголках планеты никак не связанные друг с другом люди с разными вкусами приходят тем не менее к пониманию саунда, который отчетливо контрастирует с пластиковой продукцией верхушек чартов. Разумеется, такого звука можно добиться только путем проб, ошибок и анализа результатов, но надеемся, в этом вам помогут наши советы. Хотя бы парочку здесь для себя должен найти каждый


1. При программировании ритма стоит думать как барабанщик

Хотя электронный битмейкинг и экспериментирование словно созданы друг для друга, благодаря мышлению барабанщика можно добиться более естественной и органично звучащей ритм-секции.

Открытые и закрытые хай-хэты не должны звучать одновременно, акценты лучше подчеркивать с помощью параметра velocity, а при панорамировании звуков полезно вспомнить, как располагаются барабаны в установке.


2. Ювелирное velocity для естественной артикуляции

Все знают, что этот параметр отвечает за громкость отдельных нот, но с его помощью можно работать и с более тонкими нюансами.

При назначении velocity на низкочастотный фильтр можно добиться правдоподобного эффекта естественной динамики живых инструментов: более тихие ноты не просто убавят в громкости, но и станут менее энергичными в плане частот.


3. Динамика превыше всего

Использование в миксе одновременно и компрессированных, и необработанных сигналов (так называемая параллельная компрессия) значительно оживляет звуковой ландшафт. Статичные элементы с длинным угасанием или эхом начинают дышать и появляется естественная динамика.


4. Детали и еще раз детали

Все мы любим резкие изменения и скачки параметров, но и изысканные вариации обладают не меньшей силой воздействия. Для того, чтобы расширить звуковое восприятие в ключевых моментах стоит попробовать автоматизировать низкочастотный фильтр буквально на пару герц для фонового аккорда во время хука, прибавить громкость на полдецибела с началом припева или совсем немного поднять высокую середину в пиковом моменте.


5. Специальные инструменты для обработки и синтеза

Сегодня многие плагины и виртуальные инструменты специально заточены под эмуляцию аналога и «очеловечивание», либо, как минимум, обладают такими функциями: это и синтезаторы с элементами случайности или погрешности, семплеры, умеющие «состаривать» звук и даже ленточные симуляторы с эффектом «плавающего» звука.

Примеров таких инструментов крайне много, но об одном довольно навороченном мы уже рассказывали.


6. Стремление к натуральности?

Чрезмерно яркие, режущие слух высокие частоты без обработки сразу же выдают свое цифровое происхождение, что лишает их жизни и привлекательности. Любые синтезаторы, тарелки и высокочастотные элементы при обработке через ленточный симулятор и/или при правильной эквализации и многополосной компрессии сделают звучание более органичным.


7. Избегайте прямолинейной автоматизации

При всей привлекательности подхода «на скорую руку», стандартная автоматизация в виртуальных студиях — не всегда лучший выход из ситуации. Логарифмические огибающие звучат более плавно и естественно — в некоторых виртуальных студиях это предусмотрено сразу, но если функция отсутствует, всегда можно прорисовать огибающую несколькими прямыми линиями вручную. Кроме того, можно просто нажать на запись и прописать автоматизацию вручную с помощью контроллера или мыши, чтобы передать натуральные нюансы динамики.


8. Аккуратнее с квантизацией

При работе с MIDI-контроллером или драм-пэдами полезно выработать привычку набивать ритмические рисунки и наигрывать риффы даже в том случае, если это эпизодическая перкуссия или миниатюрный синтезаторный слой. С первого раза попасть в метроном непросто, но с практикой появится уверенность.

Если же квантизации не избежать, то не стоит полностью ломать оригинальную запись, а лучше применить коррекцию пофрагментно. Особенно от такой живой записи выигрывают хай-хэты. Бочку и малый барабан можно спокойно программировать.


9. Трюк с бас-барабаном

Семплированная прямая бочка звучит одинаково каждый такт, в то время как аналогово звучащие барабаны в куче каноничных записей выгодно выделяются элементом непредсказуемости. Оживить семплированную бас-бочку можно добавлением едва различимого синтезированного клика или шума, которые затем модулируются и варьируются во время прогрессии. На финише этот дополнительный слой компрессируется с исходным семплом бас-бочки.


10. Старое доброе вибрато

«Вибрато как вибрато, ну и что?», — скажете вы, и будете неправы, ведь при верном применении эта вещь может быть предельно выразительной. Стоит обратить внимание на высококлассных живых музыкантов и вокалистов, как они работают с этой техникой. Насколько сильно и с какой скоростью идет отклонение от основной ноты, как долго они «зависают» и с какой модуляцией (вверх, вниз или вокруг ноты).

Техника вибрато отдельных исполнителей сугубо индивидуальна, так же и вы можете привнести в свои проекты новый уровень экспрессии. Вместо использования запрограммированного вибрато через колесо модуляции, можно добиться прямого контроля над высотой звука, назначив полностью ручное вибрато на любой удобный элемент управления вашего контроллера с помощью команды MIDI CC.

5 января 2016

Подпишись на наш Twitter

и узнавай о новостях первым!
musicount 5 января 2016 14:07
19того декабря сломали Slate Digital Collection. Спешите скачать с рутрекера, кто ещё не успел. Среди них есть виртуал тэйп эмулятор, как на скриншоте в пятом пункте. Также не забудьте там же поискать набор компрессоров от Kush.
Ответить  
musicount 5 января 2016 17:07
Они сами по себе классные
Ответить  
ProF Jr 5 января 2016 14:25
При назначении velocity на низкочастотный фильтр можно добиться правдоподобного эффекта естественной динамики живых инструментов: более тихие ноты не просто убавят в громкости, но и станут менее энергичными в плане частот.

А можно по-подробнее, интересно правда.
Ответить  
emetex 5 января 2016 18:43
если кто-то "этого" не отдупляет... то и не стоит ему этим заниматься... имхо...
Ответить  
Kingdom-ПрОсТоДевАчка 6 января 2016 5:12
Спасибо, конечно, но для меня это все пройденный этап

1. Я давно и с самого начала музыку сочиняю по нотам. То есть в том числе и барабаны и ритм секции. Я уже забыл что такое прямая бочка, делаю ломанные ритмы со смещением акцентов. Я использую сразу по несколько разных звуков на каждый вид ударных с чередованием буквально в каждом паттерне, образуя неровную фактуру. Использую необычные модулированные звуки, которые трудно причислить к стандартным видам перкуссий, арт хаус. В перкуссиях я старюсь уловить тональность и делать все по гармонии. Для этого нужно развивать слух, чтобы слышать тональность так называемых шумных звуков. Рекомендую тренировать это умение всем музыкантам, это позволит расширить ваши навыки саунддизайна.

2. Velocity в современном метале не практикуется. Наоборот, звук гитар и инструментов вылизывают и компрессируют до такой степени, что все звучит крайне ровно. И это живая музыка, лол. Рандомное велосити теперь уступило место вычурной модуляции и фазным эффектам в синтезе.



3. Вообще не использую компрессию на инструменты. Даже на вокале минимум, необходимый, чтобы исправить динамические огрехи записи, которых практически никогда не бывает, я ровно держу микрофон при записи.

4. Кроме банального фильтра, который уже избороздили в EDM вдоль и в поперек, есть еще такие вещи как многослойные модуляции параметров синтеза, с таким расчетом, чтобы изменялись геометрическая форма генерируемой волны ее фаза и частота , причудливым образом, поражая воображение.

5. Все эти "состариватели-ухудшайзеры" рассчитаны на живые инструменты. Весь секрет в том, что натуральные живые инструменты после записи звучат ... тускло, мертво. Потому что они на самом деле так звучат. Механики не хватает, чтобы придать звуку скрипки мощность и остроту, она в действительности звучит бледно. Приходится делать эквализацию, сатурацию, атмосферу, чтобы сделать звук скрипки более внушительным. Не лучшим образом состоит дело и с другими инструментрами. Любители академической / инструментальной музыки меня сейчас порвут, за такие богохульные слова.

Напротив, консольная синтезированная музыка, сгенерированная дешевыми чипами с нелинейными транзисторными ключами, звучит острее и грязнее, терзая слуховые рецепторы, как приправа. Такому звуку ... не нужны угрязнители звука, получается странный эффект перенасыщения и едкой противной кислоты. Сатураторы выброшены за ненадобностью. Хочу заметить, что я не пью чай, кофе и не бросаю перец в еду.

6. Есть такой эффект, цифрового происхождения, который называется ALIASING - это ступенчатое скольжение фронтов/спадов оцифрованного/синтезированного напряжения на выходе биткрашера. Придает пикантный вкус и необычную окраску "мертвому" электронному звуку. Ваши инструменты называют дохлой электроникой? Пишите ее на ATARI, пусть будет еще более неживой, словно ее писали ржавые роботы. Вдохните идеи и произойдет чудо - дохлая электроника будет звучать более красочно в вашем сознании, нежели самая живая акустическая гитара. Добро пожаловать в лагерь электропанков.

7. Это саунддизайнеру решать, какую автоматизацию применять. Нельзя отдавать предпочтение только одному виду. В каждой ситуации нужно подбирать форму изменения параметра. Есть полно ситуаций, когда линейная автоматизация звучит, так как нужно для сюжета, и множество ситуаций, когда нужно изменить кривизну ,чтобы сместить акценты для другого конкурирующего инструмента или звука. Но, простите, писать утверждение, что вся линейная автоматизация это дичь, это дичь, сорян за каламбур.

8. Миди-контроллер больше не нужен! Тренируйте в себе навыки видеть звуковую картину в графически нарисованных нотах и событиях автоматизации. Вы должны сразу же воплощать ваши мысли в следы мыши на матрице/piano roll. Тогда вы выбросите миди клавиатуру и пэды за ненадобностью. Отныне вы не механик, который может только крутить ключем гайки и жать рычаги (клавиши рояля), вы - художник вашей музыкальной мысли. Я музыку не пишу и не играю, я ее рисую! И многие краски себе тоже научился готовить.

9. Ахаха, ну сколько можно уже делать прямую бочку, я серьезно. Сознание уже само выключает барабаны в таких треках сепаративно, я вам говорю. Я слышу другие инструменты, но прямую бочку нет, надоела. Делайте неровные ритмы, попробуйте, вы откроете Америку. И да, читаем еще раз то, что я написал в пукнте 1.

10. Вибрато уместно далеко не в каждом инструменте. Это саунддизайнеру решать где его применить, когда и зачем. Кроме того, есть такая вещь, как контраст модуляций - когда сочетают вместе инструменты с очень разной динамической характеристикой тембров - очень ровные и очень пульсирующие звуки. Сознание начинает ловить то один, то другой инструмент и приходит в возбуждение. Применяйте необычные виды и формы модуляций, множественные слои модуляций в одном инструменте с рассинхронизацией. Неужели весь мир сошелся на модуляции питча, фильтра и громкости? Откройте для себя мир управления фазой и DC, это шкатулка Пандоры, в серый мир вы больше не вернетесь, я вам обещаю.
Ответить  
AUDIOTRAKT 6 января 2016 14:30
Очень круто. Плюсую.
Ответить  
Юрий Лир 7 января 2016 1:29
по делу+
Ответить  
Oleg Zviagin ака Southern Breeze 6 января 2016 14:03
Пункт 13 - поучитесь музграмоте, господа! Это очень-очень полезно для создания своего неповторимого авторского стиля аранжировок.
Ответить  
Kingdom-ПрОсТоДевАчка 6 января 2016 14:07
Начни прямо сегодня, это пойдет тебе на пользу ^_~
Ответить  
Oleg Zviagin ака Southern Breeze 6 января 2016 14:07
"Любители академической / инструментальной музыки меня сейчас порвут, за такие богохульные слова." - надо просто правилдьно ПОДБИРАТЬ инструменты, а не биться потом над ними, чтобы не было пластмассово и тускло. Короче, набирайтесь музыкального опыта и тренируйте-тренируйте-тенируйт е собственный слух!)))
Ответить  
Kingdom-ПрОсТоДевАчка 6 января 2016 14:26
Ты внимательно читал, то что я написал?

"Весь секрет в том, что натуральные живые инструменты после записи звучат ... тускло, мертво. Потому что они на самом деле так звучат. Механики не хватает, чтобы придать звуку скрипки мощность и остроту, она в действительности звучит бледно."

Это не сэмплы, Карл. Ты когда в последний раз слушал настоящие инструменты не в саундтреке, а вживую?
Ответить  
Kingdom-ПрОсТоДевАчка 6 января 2016 14:30
В давние времена для того чтобы исправить ситуацию, строили механические ревербераторы - здания-филармонии. Делали сведение - расставляли инструменты по специальной схеме на сцене, чтобы было более лучшее звучание.

Но если ты посадишь скрипача просто одного в комнату, звучание будет более чем никакое, фанера со струнами.
Ответить  
DIAMOND MODE 10 января 2016 16:44
Все проще, нужно научиться слышать и делать так, как нужно и совершенствовать это умение, а рецептов нет.
Ответить  
Написать комментарий
Ваш комментарий